+ Sophie Brasey jusqu’au 26 septembre 2010 Journées Photographiques de Bienne
portrait de la série Made of Stone - Sophie Brasey
portrait de la série Made of Stone - Sophie Brasey
portrait de la série Made of Stone - Sophie Brasey
Née en 1985, Sophie Brasey a obtenu son CFC de photographe au CEPV (Vevey) en 2005 ainsi que son Bachelor Of Arts en communication visuelle, spécialisation en Photographie à l’Ecal en 2009. Elle vit et travaille aujourd’hui dans la région de Vevey.
1- Pourriez-vous décrire votre oeuvre?
« Made of Stone » interroge la représentation traditionnelle de
l’enfance en photographie. J’ai choisi de montrer des êtres âgés de 4
à 5 ans sous un angle inhabituel, confrontant ainsi mes propres
impressions à la vision populaire de l’enfance. Cette série,
intemporelle et dérangeante, montre des visages semblant trop graves
pour leur jeune âge. La pierre, sous forme brute ou façonnée par
l’homme, fait face aux portraits, métaphore aux sentiments humains.
2- Quelles sont les références auxquelles vous faites appel?
Je ne fais pas volontairement appel à des références particulières.
L’imagerie populaire du portrait et du documentaire a été
confrontée à mon imaginaire et à ma vision.
3- De quelle manière aimeriez-vous que votre oeuvre soit perçue?
Je pense que les images peuvent réveiller de multiples sentiments en
chacun, comme un écho à son expérience de vie et à ses préjugés.
L’oeuvre peut susciter mélancolie, réflexion ou même
rejet. Le plus important réside dans le fait que les images ne laissent pas de marbre.
4- Quelle est la part intime de votre œuvre?
Mon vécu – ponctué par certaines désillusions quant à ce que je croyais
acquis – a forgé mon regard. Cela m’a conduite à ce travail
soulignant la gravité des visages pourtant encore si peu marqués par
la vie. J’ai alors entrepris de questionner l’imagerie collective de
l’enfant et sa présumée insouciance.
jusqu’au 26 septembre 2010
Sophie Brasey – Journées photographiques de Bienne 2010
Centre d’accueil, billeterie et informations
Ancienne Couronne (Place du Ring, vieille ville)
PhotoforumPasquArt (Faubourg du Lac 73-75)
Tel: 0041 32 322 42 45
Fax: 0041 86032 322 42 45
+ Eva et Franco Mattes aka 0100101110101101.ORG – AD/HD jusqu’au 19 septembre 2010 [plug.in] Bâle
Could you describe your work?
I committed suicide in front of a public webcam-based chatroom. I was hanging from the ceiling, in our apartment in Brooklyn, and random people could see the scene and react as they pleased. Eva was shooting a video with all the reactions. After a week I had enough of it and we published the video with some of the responses. We called it No Fun.
What are you referring to? What are the references enclosed in your work?
One blogger found No Fun an explicit reference to Velázquez’s Las Meninas.
How would you like your artwork to be red or felt by the audience? What would be the best reading of it (if there is one)?
I agree with Duchamp: it’s the viewer who makes the work. So whatever reaction is good for me, we try not to push it in any given direction. Actually, that’s the interesting part of it, the unpredictability.
What is the most intimate part of this artwork?
A guy masturbating.
Eva und Franco Mattes aka
0100101110101101.org
www.0100101110101101.org
[plug.in]
St. Alban-Rheinweg
CH-4052 Bâle
Tel. +41 61 283 60 50
Fax +41 61 283 60 51
office@iplugin.org
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+ Roman Blumenthal du 24 juillet au 7 août 2010 Message Salon Downtown Zurich
Roman Blumenthal, born in 1980 in Chur. Lives and works in Zürich.
1. Could you describe your work?
The work I show in this exhibition is « thomas und gerhard ». It’s two objects – one is called « thomas und gerhard (thomas) » and the other « thomas und gerhard (gerhard) ». I just have a photo of thomas right now, but both objects are made out of things I found in second-hand warehouses. For « thomas & gerhard (gerhard ») i also used a self-made cube.
2.What are you referring to? What are the references enclosed in your work?
It’s very much influenced by siege machines, although my objects don’t really have a function. They just pretend like having one.
3.How would you like your artwork to be red or felt by the audience?
Just read it as a contrived action involving constant pursuit, near captures and repeated escapes.
4. What is the most intimate part of this artwork?
In the end, my work is often about broken hearts and human foolishness.
Du 24 juillet au 7 août 2010
message salon downtown
Perla-Mode, Langstrasse 84/Brauerstrasse 37, CH-8004 Zürich
Tram 8/Bus 32 bis Helvetiaplatz, Bus 31 bis Militär-/ Langstrasse
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+ Sarah Burger jusqu’au 9 juillet 2010 Lucy Mackintosh Lausanne
1. Could you describe your work?
My installation/sculpture « Possibilities of Landscape (Forest) » is a group of things that look like cut trees, but they are transparent, light. The whole sculpture is made out of adhesive tape.
2.What are you referring to? What are the references enclosed in your work?
I’m interested in creating a spatial situation that is poetic, melancholic and surprisingly fragile. I’m interested in a certain longing for something called « nature ». This nature, I guess is not or not anymore existing, but still there are ways to create an artificial landscape/situation that feeds this longing.
3.How would you like your artwork to be red or felt by the audience?
A physical experience that leads to associative thoughts and the experience of fragile, enigmatic beauty.
4. What is the most intimate part of this artwork?
For me, when I’m making it, for the audience when they perceive it.
=> 9 juillet 2010
Sarah Burger – BACK YARD
Galerie Lucy Mackintosh
Avenue des Acacias 7
CH-1006 Lausanne
+41 (0)21 601 88 88
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+ Gilles Furtwängler Noble Silence jusqu’au 10 juillet 2010 DOLL Lausanne
Gilles Furtwängler, 27 ans, vit et travaille à Lausanne, diplômé de l’Ecal en 2006.
Il poursuit un travail de dessin, de sculpture, d’écriture et de vidéo proche de son quotidien. Il s’efforce et s’intéresse à la manière dont il peut refaire ce qu’il a vu, réécrire ce qu’il a lu et entendu.
1- Pourriez-vous décrire votre oeuvre?
C’est une photographie, le deuxième carton d’invitation de l’exposition. Le premier étant celui réalisé par Doll. Cette photographie fait partie de la communication de l’exposition comme étant mon communiqué de presse.
La dame au chapeau est une de mes grands-mères. Derrière le dessin de passoire, c’est moi.
2- Quelles sont les références auxquelles vous faites appel?
3- De quelle manière aimeriez-vous que votre oeuvre soit perçue?
Je fuis les références directes, je m’efforce d’entretenir un certain flou autour de mes références ainsi que sur la signification de mes pièces. Less is more. Je ne cherche pas à démontrer ou à illustrer quelque chose de précis mais plutôt à questionner notre rapport à la représentation et surtout à ses limites. Où commence la farce, la morale, l’esthétisme ? Où s’arrête l’amateurisme, l’illustration, la référence ?
Tout ça avec une envie permanente de pousser doucement le bouchon, de travailler entre les frontières de la représentation, dans leurs zones tampons, là où les pensées, les discours, les formes se rencontrent, se mélangent et se confondent.
Quelques pistes:
-Pas mal de littérature américaine et finlandaise contemporaine.
-La peinture en général, les natures-mortes en particuliers.
-Mon quotidien.
-Le réel.
4- Quelle est la part intime de votre œuvre?
Il est difficile pour moi de les quantifier et de les nommer, mais ils en font partie intégrante.
jusqu’au 10 juillet 2010
DOLL ESPACE D’ART CONTEMPORAIN
avenue César-Roux 4
1005 Lausanne
www.espacedoll.ch
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+ Nino Baumgartner jusqu’au 9 juillet 2010 Lucy Mackintosh Lausanne
Performance: Schanzengraben, Zürich, 29.05.2010
1. Could you describe your work?
It is an ongoing system of drawings, sculptures and photographs which are related to performances and actions.
2.What are you referring to? What are the references enclosed in your work?
I refer to the river.
I fefer to the line.
(Romantic modern-minimalism)
3.How would you like your artwork to be red or felt by the audience?
The objects are power charged elements.
It is like observing a running engine.
4. What is the most intimate part of this artwork?
Bending the wood and nailing the canvas.
=> 9 juillet 2010
Nino Baumgartner – BACK YARD
Galerie Lucy Mackintosh
Avenue des Acacias 7
CH-1006 Lausanne
+41 (0)21 601 88 88
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+Dominique Lämmli jusqu’au 17 juillet 2010 Galerie Bob Gysin Zurich
Dominique Lämmli works in Zurich. Teaching and art research at the Zurich University of the Arts.
Studies
Fine Art, Philosophy, Comparative Literature and Didactic at Universities in the USA and in Switzerland.
1. Could you describe your work?
Looking at little things and presenting rich worlds that are open for discovery is a central issue in my work. Part of my working method is the use of divers drawing and painting strategies, technique and media. This provides a richness of textural and structural information and can be used to think about relations between divers things in general.
2.What are you referring to? What are the references enclosed in your work?
I believe, poetic work is a process that transforms daily issues and displays them on an abstract level. My work is obviously not referring to conformity and homogeneity. It advocates multiple perspectives, richness in differences, space to act and breathe.
3.How would you like your artwork to be red or felt by the audience?
Like stepping stones laid in moss in a Japanese garden,
which slow the spectator’s pace and satisfy the need for calm,
drawn stories invite us to emotionally relax and be mentally active.
We can contemplate what we see, leaving the rigid social hierarchies
of the everyday world behind us.
In our imagination, we can play out different possibilities that the
narrative could take. We are offered an intensive world that lies open
for discovery, and which allows us to rethink our own experiences.
Such reconsideration can alter our stance and lead to new perspectives.
4. What is the most intimate part of this artwork?
Where it touches you.
=> 17.07.2010
Galerie Bob Gysin
Ausstellungsstrasse 24
CH-8005 Zürich
www.gbg-galerie.ch
T +41 44 278 40 60
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+ Steve Lambert jusqu’au 17 juillet 2010 Barbara Seiler Zurich
1. Could you describe your work?
It’s black ink on cream colored paper drawn with a 1 inch brush I bought for a dollar. The text reads « NEVER EVER GIVE UP » and when you fold the flap on the top, it reads « IT’S TIME TO GIVE UP »
2.What are you referring to? What are the references enclosed in your work?
Personally I waver between these two positions. There are times when I am working hard on something and I think « I have to power through this and get the job done » then there are other moments when I think « why am I working so hard, this is stupid! » I made the drawing at 1:30 am on my apartment floor when I was waffling between the two – should i go to bed, or should I finish this drawing?
3.How would you like your artwork to be red or felt by the audience?
Laughter, recognition. Something they can relate to and feel an affinity with. It speaks to them.
4. What is the most intimate part of this artwork?
When you discover that there are 2 messages.
=> 17 juillet 2010
Steve Lambert – Subject sitting in darkened room…
Barbara Seiler Galerie
Anwandstrasse 67
8004 Zurich
+ 41 43 317 10 42
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+ Johan Gustavsson jusqu’au 17 juillet 2010 Barbara Seiler Zurich
Johan Gustavsson, born in 1978 in Stockholm, Sweden. Lives and works in Den Haag, Netherlands.
1. Could you describe your work?
More and more my works are results of a concentrated action, almost a meditative state of mind. Where I’m able to connect to all things I have ever seen, heard or experienced. Intuition is the key to all the experiences, knowledge someone possesses. Thoughts concerning aesthetics, the artist’s position in the art-world and how it can relate to the way we experience life. With this in mind, drawing has always been the most natural and direct medium for me. I can find a great freedom in drawing, where the intuition can be at it’s sharpest and where I can forget my physical being.
2.What are you referring to? What are the references enclosed in your work?
My works could also deal with the family, relations, perceiving, graffiti, Scandinavian culture, origin, sex, just life, freedom,
minimalism, melancholy, safety, the ugly and so on…
3.How would you like your artwork to be red or felt by the audience?
I believe in art as an language/ tool to communicate used to communicate on a level different than text and spoken language.
And, if art is a language/ tool to communicate, it needs to profit from its own qualities and avoid the known logical communication methods. In a search for a communication with the audience, not through rational, logical or traditional methods. Rather, a physical communication, that speaks to your « stomach » then a rational thought. Humans take in enormous amounts of information through our senses. Aware or unaware we see, feel, sense, hear or smell an incredibly big amount of information all the time. Therefore I hope for the romantic idea of an audience to be open and « feel » the works.
4. What is the most intimate part of this artwork?
The drawn lines. I think the line of the drawings would be the most intimate part of the works, and obviously the very personal images the form together. The lines are not illustrative nor perfect. They are almost amateurish. This makes the lines/drawing personal, individual and intimate.
=> 17 juillet 2010
Johan Gustavson – Subject sitting in darkened room…
Barbara Seiler Galerie
Anwandstrasse 67
8004 Zurich
+ 41 43 317 10 42
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+ Lex Vögtli jusqu’au 8 août 2010 Distant Memory Kunstmuseum Soleure
Lex Vögtli est née en 1972, elle vit et travaille à Bâle
1- Pourriez-vous décrire votre oeuvre?
Trois masques folkloriques composent le sujet principal du tableau. Le premier des deux masques possède des traits masculins et le second est féminin. Ils se trouvent dans une sorte de paysage frugal qui ressemble à une chevelure clairsemée, un terrain enneigé peut-être ou fait de mousse. Le masque féminin se trouve en hauteur sur une colline recouverte de feuillage. Une limace vient de passer au bas de cette montagne. Dans le fond, on peut voir deux cactus, des rochers sombres et des coups de pinceau, arrêtés dans leur mouvement et qui apparaissent comme des sculptures de métal. A la droite, une couverture en crochet disparaît de l’image, portée par deux rubans et d’autres choses semblables.
2- Quelles sont les références auxquelles vous faites appel?
A la peinture traditionnelle. Suivant le point de vue, le tableau oscille entre un panorama, un portrait de groupe ou une nature morte. Le crépi en rélief par exemple, en sable et le soleil en textile, pourraient faire songer au coin d’une chambre. Aucune autre référence précise n’apparaît, mis à part peut-être quelques allusions aux masques d’Ensor, à la création d’un tableau surréalistique ou même à l’art populaire suisse.
3- De quelle manière aimeriez-vous que votre oeuvre soit perçue?
Avec un mélange d’émotion, que le spectateur ressente que le tableau met en place une certaine ambiance, qu’il fasse des associations d’idées entre les herbes qui rappellent les cheveux et donc le corps, ou entre l’escargot et sa trace qui fait écho au sexe féminin. Ou encore le chiffon orange qui parle des rayons du soleil, la vie de famille. J
4- Quelle est la part intime de votre œuvre?
Le style de la peinture, le titre et les portraits.
jusqu’au 8 août 2010
Lex Vögtli – Distant Memory
Kunstmuseum Solothurn
Graphisches Kabinett
Werkhofstrasse 30
4500 Soleure
+41 32 624 40 00
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